Esto es lo que realmente significan las pinturas más famosas de grandes artistas

El misterioso mundo del arte moderno puede parecer confuso, porque no en todas las obras se puede percibir la idea del autor a primera vista. Sin embargo, definitivamente te interesará saber qué significado les daban a sus pinturas los artistas más grandes de todos los tiempos, porque los coleccionistas pagan cientos de millones de dólares para conseguir esos lienzos de maestros modernos, y los museos en donde se exhiben sus obras atraen a una enorme cantidad de viajeros de todo el mundo.

En Genial.guru intentamos descifrar el significado oculto de las pinturas más famosas del mundo, y descubrimos que no todo es tan simple como podría parecer a primera vista.

Anhídrido acético, Damien Hirst, 2017

El británico Damien Hirst es el artista más rico del mundo. Desde hace 25 años experimenta con círculos de colores, y esa es su marca registrada. A través de ellos transmite el tema de la muerte.

Pero el hecho es que no son solo círculos, como podría parecer a primera vista, sino pastillas homeopáticas. El artista está obsesionado con la idea de la lucha por la salud en la sociedad moderna. Incluso los nombres de sus trabajos creados con la técnica spot painting fueron tomados prestado del catálogo de la empresa química Sigma-Aldrich.

Los nombres están agrupados por diferentes tipos de drogas. El grupo más grande son los productos farmacéuticos, y los colores de los círculos corresponden a las letras en las fórmulas de sustancias psicoactivas.

Las dos Fridas, Frida Kahlo, 1939

La pintura Las dos Fridas es una especie de autobiografía de la artista mexicana más famosa, Frida Kahlo. En este punto vale la pena recordar que muchas de sus obras fueron autorretratos.

Según la interpretación más común, la imagen refleja un suceso que vivió la artista. En concreto, la dolorosa separación de su esposo, el muralista Diego Rivera. El trabajo se completó en 1939, poco después de su divorcio. Dos Fridas están representadas en el lienzo, pero son dos imágenes opuestas. A la derecha está la que amaba Diego, y a la izquierda, la que él traicionó. La artista no olvidó su amor por su marido y la estrecha relación con él incluso después de la separación, a pesar de sentirse muy sola y de tener el corazón roto.

El paseo, Marc Chagall, 1917–1918

Esta pintura es una de las obras más reconocidas de Marc Chagall. Los trabajos de este autor también son autobiográficos, por lo que en el centro del lienzo no se encuentran solo un hombre y una mujer, sino el propio artista y su esposa, Bella. Él está en la tierra mientras que ella vuela en el cielo, pero igual están juntos. A pesar de la distancia, los enamorados están tomados de la mano, superando la ley de la gravedad.

Además, el artista sostiene un pájaro con su otra mano, un herrerillo. Parece que, de esta manera, decidió desafiar el proverbio ruso “Mejor un herrerillo en mano que una grulla en el cielo” (“Más vale pájaro en mano que cien volando”), indicándonos que no siempre es necesario elegir entre una cosa y otra.

Hombre y mujer frente a un montón de excrementos, Joan Miró, 1935

Esta pintura del artista catalán Joan Miró es una de un total de 12 obras creadas durante el período de inestabilidad social en España. A primera vista, los movimientos siniestros de los monstruos en forma de gallo son completamente incomprensibles. Lo único que inmediatamente llama la atención son los colores brillantes que contrastan con el fondo negro apocalíptico: uno siente que la pintura expresa algo extremadamente preocupante.

De hecho, el artista transmitió de esta manera el horror de la guerra civil española (1936–1939). Un montón de excrementos en color dorado brillante son ambiciones fascistas, un área naranja oscura son las víctimas de la guerra y las manos rojas son sangre.

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, Paul Gauguin, 1897–1898

Desde el principio de su carrera, el artista Paul Gauguin quiso plasmar en el lienzo el razonamiento sobre la vida y la muerte. En 1897 comenzó a trabajar en la pintura ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?, y, a fines de diciembre del mismo año, terminó el cuadro.

La peculiaridad de esta obra de arte es que debe leerse de derecha a izquierda, como los antiguos rollos sagrados. La pintura representa 3 grupos de personas principales. Las jóvenes con un niño dormido significan el comienzo de la vida. Otro grupo simboliza el alma en la etapa más alta de su desarrollo, y la anciana en el grupo final, que parece estar al borde de la muerte, es un símbolo de la fatalidad.

Latas de sopa Campbell, Andy Warhol, 1962

Andy Warhol fue un artista estadounidense muy simbólico en la historia del arte pop. Sus obras son sumamente minimalistas: él representaba objetos en su forma más simple y reconocible. Un ejemplo de eso es su popular cuadro Latas de sopa Campbell.

En 1949, Warhol obtuvo el título de bachiller universitario y se apresuró a buscar fuentes de inspiración para crear algo inexistente. El artista experimentó mucho hasta que recibió un consejo para nada gratuito de la propietaria de una galería de arte, Muriel Latow: “Dibuja lo que ves todos los días, algo que todos puedan reconocer, como una lata de sopa Campbell”. Así comenzó la historia de la famosa pintura de Warhol.

Birkenau, Gerhard Richter, 2014

La serie abstracta Birkenau es un trabajo del artista contemporáneo Gerhard Richter, el cual busca honrar la memoria de los prisioneros de los campos de concentración. Él quedó impresionado por las fotografías tomadas en 1944 por un miembro de un Sonderkommando, en la cual se ven cadáveres preparados para ser quemados en el crematorio.

Richter proyectó las fotos en su lienzo y luego aplicó la pintura capa por capa para recrear la forma exacta de una montaña de cadáveres y fragmentos de la naturaleza impresos en una serie de foros en el campo de exterminio Birkenau.

Naranja, rojo y amarillo, Mark Rothko, 1961

Naranja, rojo y amarillo es una obra del artista estadounidense Mark Rothko, la cual fue pintada en 1961. En 2012, en una subasta abierta, el cuadro fue vendido por 86 millones de dólares.

En general, en las abstracciones de Rothko no se debe buscar alguna imagen o significado oculto. Sus obras deben ser percibidas de manera diferente: es importante centrarse en los sentimientos que causa al espectador el color de la imagen. El objetivo del artista era permitirles a las personas experimentar todas las emociones encarnadas en las profundidades del tono.

Las tres edades de la mujer, Gustav Klimt, 1905

Esta pintura del austriaco Gustav Klimt es una de las obras más famosas del artista. Ella ganó la medalla de oro en una exposición internacional en 1911, la cual fue celebrada en Roma.

La pintura es un excelente ejemplo de las obras simbólicas de Klimt. De un lado está representada una niña en los brazos de una joven, y del otro, una anciana que está cubriéndose la cara con desesperación. Y cuanto más miramos esta imagen, más nos convencemos de que no se trata de 3 generaciones de una familia, sino de la misma mujer en diferentes etapas de su vida, lo que convierte a este personaje en un símbolo del ciclo de la vida y de la inevitabilidad del paso del tiempo.

Terraza de café por la noche, Vincent van Gogh, 1888

A primera vista, no hay nada inusual en este trabajo. Pero el investigador Jared Baxter, quien estudió profundamente la obra del artista, expresó su opinión de que la trama de “la última cena” fue capturada en este cuadro.

Si miras más de cerca el lienzo notarás que en el centro hay un camarero con una túnica blanca que se parece a la de Cristo, y alrededor de él hay 12 clientes, la misma cantidad de apóstoles. Además, detrás de la espalda del hombre hay una ventana cuyas líneas forman una cruz.

¿Qué te vino a la mente cuando viste estos cuadros por primera vez? Comparte tus pensamientos con nosotros en la sección de comentarios.